ANUBISART artista plastico

poema

2009-06-01T20:20:07+00:00

¿Por qué llorar por las cosas

Que has perdido,

Si por mucho derramar lágrimas

No se encontrarán?

Si mis ojos son un abismo

Donde se pierde la cordura,

Quien se refleje en ellos

Se extraviará,

¿Quién entonces podrá

El camino de vuelta hallar?

No, no voy a llorar…

No voy a arrancarme los cabellos,

Solo reír;

Y así la realidad

Será más amable

Porque cambiando yo misma

Lo hará todo lo demás.

¿Por qué desear lo imposible

Que se retrasen las horas,

Un minuto,

Un segundo?

¿Para extender los brazos

Y agarrar lo inalcanzable?

Nada queda ya que lamentar

Y si lo hay, inútil es.

Solo decir hasta luego, quizás;

O enmudecer los Imposibles, inalcanzables,

los Nos, De mis labios;

Seguir siempre adelante,

Aprender como meta y luchar

Por siempre jamás.

Por Arminda C. Ferrera

HIPERREALISMO

2008-07-15T13:16:33+00:00

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el Fotorrealismo que es menos radical.

El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura.

Historia

El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, claramente favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.

Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo: La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close, Malcolm Morleyo Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.

Chuck Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más hacia el cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto objetivador de las fotografías clínicas y policiales . En su obra trata problemas como la percepción del espectador y la focalidad. Close no parte de la realidad sino que la aborda indirectamente a través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo.

Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.

Richard Estes, conocido por sus cuadros de escaparates y escenas urbanas, utiliza varias diapositivas del mismo objeto, de modo que en sus cuadros se ve no sólo el escaparate sino también lo que hay dentro de la tienda y lo que se refleja en el cristal. Sus lugares públicos están desiertos, en un modo de abstraer la funcionalidad de lo representado que es típica del fotorrealismo.

Don Eddy pinta coches y David Parrish motos. El francés Jean Olivier Hucleux pinta cementerios de personas y cementerios de coches, en un realismo que es una repetición de la realidad. Ed Ruscha, a caballo entre el arte pop y el fotorrealismo, pinta gasolineras, cuadros de palabras y hace libros de fotografías.

Otras características del fotorrealismo son la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos. Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el fotorrealismo del realismo tradicional.

Otros artistas estadounidenses de esta tendencia son Robert Cottingham, John Kacere, Paúl Staiger, Robert Bechtle, Richard McLean y Malcolm Morley, John de Andrea.

Algunos artistas que, sin ser específicamente fotorrealistas, han utilizado la fotografía como medio de expresar la realidad son el francés Christian Boltanski, quien utiliza fotos de álbumes familiares de otras personas que según sus propias palabras, serían, tras haber fallecido, la prueba de su existencia; el alemán Gerhard Richter, que emplea fotografías desde 1962 de forma continuada, aunque su trabajo ha explorado prácticamente todos los posibles terrenos de la pintura y no es por tanto un fotorrealista puro como los anteriores; el español Estéfano Viu que utilizará tímidamente esta técnica en los años 1987 y 1989. El americano Richard Artschwager lleva fotografías de interiores a una superficie de celotex con un granulado fino al que aplica un ligera mano de pintura blanca y negra.

Con respecto a la escultura hiperrealista americana hay que destacar a Duane Hanson, que reproduce a tamaño natural personajes sacados de las clases trabajadoras, y a Segal que emplea la misma técnica que Hanson: vaciado de yeso de los modelos, relleno de los moldes con fibra de vidrio y poliéster, ensamblaje de las partes y pintado en color carne; la pieza se termina vistiéndola con ropas usadas. John de Andrea esculpe desnudos de un hiperrealismo tan acusado que parecen personas reales, al igual que Nancy Graves hace con sus esculturas de camellos.

En el caso español, una de las figuras más relevantes del hiperrealismo sería el pintor Antonio López.

El arte contemporáneo

2008-06-30T04:16:21+00:00

El arte contemporáneo se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este periodo.

En sentido amplio, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época. En el caso del arte contemporáneo, se desarrolla desde la teoría postestructuralista la cual ha acuñado el término "postmoderno", ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüistico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.

Este tipo de prácticas se inician desde la obra de Marcel Duchamp (fuente 1917) y sus cuestionamientos de la institución del arte. Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschemberg, teóricos como Roslind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que pusierón este pensamiento dentro del main stream internacional.

EL ARTE ZEN

2008-02-11T05:00:18+00:00

Para el Zen la obra de arte no es una representación de la naturaleza porque proviene de ella misma, como una disciplina espontánea, un accidente controlado.

El arte sin artificio
El Zen es "la conciencia cotidiana" según dijo Baso Matsu hace trece siglos "dormir cuando se tiene sueño, comer cuando se tiene hambre". Esta política de lo inmediato ha dado lugar, como quizá en ninguna otra de las escuelas budistas, a formas artísticas no simbólicas que, en sí mismas, son la doctrina del Zen porque significan lo real y no su abstracción estética o canónica, a diferencia del arte religioso en general. "Los temas favoritos de los artistas Zen escribe Alan W. Watts tanto los pintores como los poetas, son lo que nosotros llamamos las cosas naturales, concretas y seculares. Aun cuando tratan del Buddha, de los patriarcas o de los maestros del Zen, los pintan (y los escriben) de una misma manera peculiarmente terrenal y humana." El Zen considera que la obra de arte no es una representación de la naturaleza, y que la verdadera técnica en el arte es la ausencia de artificio, lo que Hasegawa llama el "accidente controlado": una disciplina espontánea o una espontaneidad disciplinada.

Bodhidharma. Siglo `XV` Pintura Japonesa.

La preceptiva
El maestro Hisamatu Shin'ichi establece así siete caracteres del arte Zen, donde la obra se concibe como un ejercicio espiritual del artista, un espejo que refleja la imagen mental de su creador: 1. la asimetría, 2. la simplicidad, 3. la austeridad, 4. lo natural, 5. la sutilidad, 6. la libertad absoluta, 7. la serenidad. Para el Zen no existe ninguna actividad profana, y en el arte, o en cualquier tarea, el talento y la técnica son secundarios si no se posee espíritu, si la acción se realiza discriminando al sujeto del objeto: "La belleza emparejada con la virtud es poderosa enseñaba Boyuko Takeda. La belleza sola es insuficiente; culmina únicamente si va unida al sentimiento justo." La ceremonia del té, los arreglos de flores, la pintura, la jardinería, la esgrima y el arco, disciplinas marciales como el judo y el karate, se han desarrollado como artes adyacentes al Zen. Entre ellas está una poética de 17 silabas, el haiku que ha deslumbrado a Occidente por su penetración intuitiva en las estructuras profundas de lo real, en el "ser tal" de las cosas comunes de la naturaleza.

Un guijarro en el estanque
R. H. Blyth, el gran estudioso occidental del haiku, agrupa del siguiente modo las condiciones que animan esta poética "sin palabras", como se la ha llamado por su sobriedad: olvido del yo ("llevar la Nada en el corazón equivale a llevar el Todo", dice una máxima Zen); soledad dichosa, agradecida; aceptación de la realidad; rechazo del verbalismo, del intelectualismo y del moralismo; sentido de la contradicción; humor; libertad; simplicidad; sentido de lo concreto; amor, no sentimental sino bodhisátvico, universal. Desde luego, el poder del haiku sólo puede percibirse a través de él mismo, pero una de sus características señaladas por Blyth, el humor, recorre todos los pasos del Zen, la doctrina alegre, que no en vano aconseja que uno debe reírse a carcajadas del Zen.

11 LETRAS.....

2009-04-29T00:58:22+00:00

AHCABRÓN.

1) New York City tiene 11 letras.
2) Afghanistan tiene 11 letras

3) Ramsin Yuseb (El terrorista que amenazó con destruir las Torres Gemelas en 1993)
tiene 11 letras.

4) George W Bush tiene 11 letras.

Esto puede ser pura coincidencia, pero ahora se pone más interesante.

1) New York es el estado numero 11.

2) El primer avión que se estrelló contra las Torres Gemelas fue el vuelo número 11.

3) El vuelo numero 11 llevaba 92 pasajeros. 9 +2 = 11

4)El vuelo numero 77 también se estrelló contra las Torres Gemelas, y llevaba 65 pasajeros. 6+5 = 11

5) La tragedia sucedió el 11 de Septiembre, o mejor dicho 9/11.9+1+1=11

6) El día es igual al numero de emergencia de la policía en Estados Unidos 911. 9+1+1 =11.

¿Pura coincidencia?Sigue leyendo y ya me contarás.

1) El numero total de victimas dentro de todos lo aviones fue de 254. 2+5+4= 11.

2) El 11 de Septiembre es el día 254 del calendario.Otra vez 2+5+4=11

3) Las explosiones de Madrid sucedieron el día 3/11/2004.3+1+1+2+4= 11.

4) La tragedia de Madrid sucedió 911 días después del incidente de las Torres
Gemelas 9+1+1=11....

Bueno, ahora es cuando las cosa se pone mas misteriosa.Uno de los símbolos mas reconocidos de Estados Unidos, después de las Estrellas y las Barras, es el Águila.La siguiente estrofa ha sido sacada del Quran, el libro sagrado Islamita
'Por que se ha escrito que el hijo de Arabia despertará a una terrible Aguila. La fuerza del Águila se sentirá por todas las tierras de Allah, mientras algunas personas temblarán
en desesperación pero en el fondo se alegrarán: por que la fuerza del Aguila
limpiará las tierras de Allah y habrá paz.
'Ésa estrofa es la numero 9.11 del Quran.Todavía no estás convencido....?
Intenta lo siguiente y luego me cuentas, se me ha puesto el pelo de punta:

Abre el Microsoft Word y haz lo siguiente:

1. Escribe en mayúscula Q33 NY.

Éste es el numero de vuelo del primer avión que se estrelló contra las Torres Gemelas.

2. Sombrea el Q33 NY.

3. Cambia el tamaño a 48.
4. Cambia la letra a WINGDINGS.
¿Y AHORA QUE PIENSAS?

Impresionante no??
Te recomiendo que entres a microsoft word y compruebes
eso... Esta impresionante...

ESTETICA

2008-01-14T17:11:20+00:00

Estética

El entendimiento de la naturaleza de la belleza es uno de los temas claves en la disciplina filosófica conocida como la estética. El compositor y crítico Robert Schumann se distinguió entre dos clases de belleza, natural y poética. El primero es hallado en la contemplación de naturaleza, mientras que el último se halla en la intervención consciente, creativa del hombre en la naturaleza. Schumann indicó que en la música ambas clases de belleza aparecen, pero la belleza natural es el placer simplemente sensual. La belleza poética comienza donde la belleza natural finaliza.
Una idea común sugiere que la belleza exista en el aspecto de las cosas y de la gente que están bien. Una buena manzana será más hermosa que una magullada. También, la mayoría de la gente juzga a los seres humanos físicamente atractivos a estar bien, tanto físicamente como sobre un nivel más profundo. Expresamente ellos, como se cree, poseen una variedad de rasgos positivos y características de personalidad.
El estereotipo, "buena belleza", tiene muchos ejemplos significativos contrarios. Estos incluyen tales cosas como un glaciar, o una sierra de desierto rudamente seca. Muchas personas encuentran la belleza en la naturaleza hostil, pero esto puede ser malo, o al menos sin relaciones a cualquier sentido de calidad. Otro tipo de contraejemplo son las obras de arte cómicas o sarcásticas, que pueden estar bien, pero son raras veces hermosas. Además, la gente puede ser buena persona y no hermosa, o hermosa, pero no buena persona.
Remotas habilidades de la gente pueden desarrollar y cambiar su sentido de la belleza. Los constructores pueden ver un hermoso edificio feo, y muchos maestros carpinteros puede ver grandes ángulos tan pequeños como de medio grado. La mayoría de la gente tiene la estética similar sobre el trabajo o aficiones que ellos han dominado.

mi nuevo amor se llama aneth

2009-03-20T03:04:46+00:00

es mi sobrina y vino de lejos no la conocia y me flecho el corazon
la amoooo...............

padres e hijos......

2008-01-14T04:46:56+00:00

hasta cuando nos vaaaa torturar con esta seriee colombiana....

arte

2008-01-14T17:54:30+00:00

esta pagina te muestra parte de la obra del artista
www.jorgegomez.galeriared.com